El príncipe y la ballena

El príncipe y la ballena dice: bye, bye!

2011-01-16T15:49:00.000-08:00

Sí, muy fuerte. Ya me conocéis.

Pero volveré con la cara lavada, y me leerá quien YO quiera.

Besos a todos.

Días de cama y reposo

2010-12-18T06:29:00.001-08:00

3 días sin moverme, 2 noches sin dormir, sin películas, sin internet... aahh la vida moderna!! Ya leí 3 veces la entrevista a Lee Chang en la Cahiers de diciembre, acabé el libro de zombis y no tengo con qué entretenerme. Margot sólo quiere ver Gran Hermano y Sálvame Deluxe. La otra vieja ni parpadea, está cadáver. No me extrañaría que en cualquier momento se incorporase convertida en No Muerta y viniese hacia mi cama a intentar devorarme.

"... hasta la última célula de su cuerpo gemía con el ansia de sentir aquella carne caliente, viva y palpitante al alcance de su piel, para a continuación poder morderla, masticarla, sentir su sangre caliente resbalando por su boca..." (Manel Loureiro, Apocalipsis Z, Los días oscuros, Plaza Janés, 2010)

Ayyy! La nueva carne... perforaciones, puntos de sutura, cicatrices, mareos y vértigo ("¡cuánto te he añorado Madeleine!") aaaay la exploración del dolor para alcanzar el placerrr, la puta!

Veo en la tele que ha muerto Blake Edwards, otra vez la petarda de la Hepburn, cuando llegue a casa veré Days of wine and roses. Me gustó cuando la ví hace años, tengo miedo de volver a verla. Supongo que encaja, últimamente ando con mentalidad Hongsang, enamorada del amor, la bebida y la vida distendida (al menos en las películas).

Another rainy day

2010-12-13T11:43:00.000-08:00

I heard the esquimos remove obstructions with tongues, dear

NIGHT AND DAY, Hong-Sang soo, 2008

2010-12-03T07:21:00.000-08:00

"El hombre mira, la mujer se mira,
el hombre es admirado, la mujer es mirada."
John Berger, Modos de ver, Barcelona, Gustavo Gili, 2002.

De acuerdo. La mujer será un mero objeto, cuerpo impenetrable imposible de poseer, fantasma inalcanzable que sólo puede ser observado desde la distancia, bla bla bla... pero la mujer deja al hombre con la única posibilidad de la masturbación infinita, el agotamiento causado por una búsqueda que nunca termina y la sed insaciable que deviene en sed eterna.

El hombre no es capaz de amar, la mujer no puede ser amada.

LE MONDE VIVANT, Eugène Green, 2003

2010-11-16T11:16:00.000-08:00

Pelea a muerte en 7 planos fijos.

Entra directamente al top ten de peleas antológicas entre las que destacan Zombi vs. Shark y la worst fight ever. XD

Ventanas al mundo.

Ni siquiera lágrimas llora.

La Palabra que todo lo puede.

Más bressoniano que Bresson.

VIRGIN/BRIDE STRIPPED BARE BY HER BACHELORS, Hong Sang-soo, 2000/Duchamp 1915-23

2010-11-05T10:45:00.000-07:00

Hablamos todo lo que no callamos. Un film de personajes que viven de sentimientos, explotan, se alimentan los unos de los otros. Incapaces de acercarse sin hacerse daño.

"Corregiré todos mis defectos"

The bride stripped bare by her bachelors (réplica)

Marcel Duchamp 1915-23
(foto de estrangis en la Tate Gallery)

"The Large Glass has been called a love machine, but it is actually a machine of suffering. Its upper and lower realms are separated from each other forever by a horizon designated as the 'bride's clothes.' The bride is hanging, perhaps from a rope, in an isolated cage, or crucified. The bachelors remain below, left only with the possibility of churning, agonized masturbation."

Mink, Janis: Marcel Duchamp, 1887-1968: Art as Anti-Art

SÓNAR 2010

2010-06-28T12:17:00.001-07:00

Reactable

6PM

Delorean

Fuji Instax Mini Choco

WHAT TIME IS IT THERE, Tsai Ming-Liang, 2001

2010-05-14T08:49:00.001-07:00

Siempre con mi reloj en tu hora.

CHRIS MARKER LO FLIPA CON EL SECOND LIFE

2010-04-22T07:07:00.000-07:00

Lo nuevo:

Ouvroir the Movie

Y como siempre, Guillaume-en-Égypte metido por el medio...

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I'M NOT THERE, Todd Haynes 2007

2010-04-20T01:58:00.000-07:00

Crítica publicada en Transit: Cine y otros desvíos nº 4.

http://cinentransit.com/text/laura-menndez/artificio-pop/74

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TARNATION, Jonathan Caouette 2003

2010-03-30T11:32:00.001-07:00

Viaje al pasado para reconciliarse con él y entender el presente.

"Sick parents raise sick children".

Des/contextualización de las imágenes.

Drogas/cine/música punk/ musicales/ videoclips/ tv.

La cámara como presencia natural. No extrañamiento. Big Brother.

"Do the pumpkin". Pornografía de las imágenes.

"It is still a beautiful world"

FIN

créditos

ÑAM ÑAM!

2010-03-28T13:37:00.000-07:00

FUNERAL PARADE OF ROSES, Toshio Matsumoto 1969

2010-03-26T05:01:00.000-07:00

Underground gay counterculture of 60s Tokyo.

RENDEZ-VOUS, André Téchiné 1985

2010-02-08T12:01:00.000-08:00

Fantasmas (en el sentido literal y el figurado)
+
Apariciones
+
Mucho teatro
+
Tensión sexual

=

Sexo fantasmagórico??

AAAAAAHHHG!!!!!! Loca, loca. La cabeza me da vueltas.

ODETE, João Pedro Rodriguez 2005

2010-01-26T02:23:00.000-08:00

Por fin una película que comienza con un beso.

Beso húmedo que no puede durar.

Pérdida y abandono.

La gran ausencia. El fantasma que lo sobrevuela todo.

Búsqueda, obsesión y locura.

Todo el amor no correspondido descansa en el vientre
en forma de embarazo psicológico.

Almas en pena.

Y por fin la aceptación del deseo, la respuesta
ante el dolor que los une para siempre.

THE KINGDOM, Lars Von Trier 1994-1997

2010-01-17T11:20:00.000-08:00

"Soy Lars Von Trier y les deseo buenas noches. Si quieren volver con nosotros al Reino, prepárense para presenciar el Bien y el Mal."

AQUELE QUERIDO MÊS DE AGOSTO, Miguel Gomes 2008

2009-11-29T10:06:00.000-08:00

Una película que se construye a sí misma a medida que avanza el metraje.

Comienza como un documental sobre el rural y las romerías de verano, hasta que llega el productor y fuerza a su director a seguir el guión, introducir actores y darle un sentido a todo lo filmado. Así la película se encierra en una ficción, libre en un principio (los actores hablan sin saber que están siendo grabados), pero que termina acomodándose en un desenlace cerrado. A medida que se transforma en una ficción, el equipo técnico pierde protagonismo. Sólo cuando el verano se acaba, la película termina y el equipo recupera la autoría. Y aquí comienzan las discusiones, las dudas y los problemas, paradójicamente, sobre la película ya finiquitada.

La línea (inocente) que separaba los conceptos de la ficción y el documental más puro ya había sido diluída, pero con "Aquele querido mês de agosto", ha quedado, definitivamente, borrada del mapa.

TOKYO! Michel Gondry, Leos Carax, Bong Joon-Ho 2008

2009-08-03T07:06:00.000-07:00

"Merde", el fragmento de Carax, es el único que merece la pena. Y de qué manera! Los otros dos son la típica cursilería de un director extranjero al que invitan a filmar un corto en Tokio. Gondry en su mundo de fantasía as usual y Bong Joon-Ho que sin monstruo y sin acción no es nadie.

Lavant es puro físico, no necesita del lenguaje hablado para actuar, su expresión corporal (en este caso descontrolada y exagerada) suplen cualquier carencia. Fisicidad, carnalidad y una lengua inventada a base de gestos impacientes y sonidos guturales. Actor y director se conocen tan bien a estas alturas, que parece como si diesen total libertad el uno al otro. Cada uno da rienda suelta a su talento. Un cuento, con fauno incluído, sobre los medios de comunicación, el terrorismo, la pena de muerte, la globalización, y todas esas cosas que están tan de moda... El título ya lo dice todo: "Merde". Es el fragmento más rico en lecturas: desde una crítica al sistema económico-social, hasta el Cristo resucitado al que todos creían un loco, pasando por la fábula con monstruo de las alcantarillas incluido.

CRASH, David Cronenberg 1996

2009-07-29T13:47:00.000-07:00

Destruir cuerpo físico a través de mutilaciones, tatuajes e implantes cibernéticos para alcanzar un estadio superior. Cuando por fin seamos liberados del dolor de nuestros cuerpos, sólo entonces encontraremos el descanso eterno. La destrucción del cuerpo nos acerca al placer. Cicatrices, tatuajes, heridas de guerra. Culto al cuerpo.

La liberación final sólo se produce con la muerte. Y eso parece buscar la pareja protagonista. Ya no encuentran placer en el otro, hasta que descubren una nueva forma de maltratar sus cuerpos, de conseguir un placer físico y real. Y de ahí esa frase final "Otra vez será..." : la muerte será el orgasmo final.

"Larga vida a la nueva carne!"

A CARA QUE MERECES, Miguel Gomes 2004

2009-07-27T12:33:00.000-07:00

Porque o mundo dos meninos es en primerísimo primer plano. Lleno de tesoros por descubrir. Todo ha de ser manoseado, observado muy de cerca, descubierto y redescubierto de nuevo. Las reglas son absurdas, las reglas están para saltárselas.

Un hombre que actúa como un adolescente y siete niños atrapados en cuerpos de hombres. Blancanieves en la primera parte, los siete enanitos en la segunda. Sobre la madurez, el paso del tiempo, la llegada al mundo adulto, la celebración de la libertad y el espíritu lúdico.

Tal vez esos niños están todos dentro del hombre. Como una película dentro de otra. Impredecible. Para disfrutar sin complejos.

EL DESENCANTO, Jaime Chávarri 1976

2009-07-23T07:59:00.000-07:00

Los muertos no hablan. No pueden defenderse. Estatuas amortajadas, símbolos del pasado. Imposible moverse, aún más imposible responder a las acusaciones. El padre que lo controla todo, que sobrevuela las vidas de viuda e hijos aún después de muerto, que está presente en la película en todo momento. El padre como lastre, como origen de la enfermedad mental. Psicosis, paranoia y esquizofrenia. Censor y figura castradora, pero al mismo tiempo icono al que admirar y al que agradecer todo lo poseído. El destino de unos hijos que irremediablemente, terminarán convirtiéndose en el padre al que tanto odian. Padre al que nunca conseguirán matar del todo.

Ojo, la figura del padre es cuestionada en una película anterior a la democracia. El padre no pude defenderse. Atemos al padre, silenciémosle. Culpable de todos los males de la familia o del país. Traidor que vive aún y que, por desgracia, jamás podremos olvidar.

Las ruinas de la mansión familiar son recorridas por la madre, figura ingenua, sumisa e incapaz de despertar de su admiración por el padre, mientras su voz en off recuerda los buenos tiempos allí disfrutados. Nada queda ya de todo eso. Sólo restos.

“Fin de raza”, como reconoce el más pequeño de los hermanos, quizás en su momento de mayor lucidez. Travelling que se distancia en la última secuencia.

Decadencia. Ocaso. Desencanto.

22º Semana Negra de Gijón

2009-07-19T12:44:00.000-07:00

Cultura, poca.

Chiringuiteo, demasié.

¿Literatura? Sólo best-sellers.

Al menos me compré "V" bastante baratillo.

MR LONELY, Harmony Korine 2007

2009-06-26T03:07:00.000-07:00

Baba Maicol

Pierre Clémenti al CCCB, 04/06/09

2009-06-24T13:25:00.000-07:00

El hijisimo y Antoni Pinent (programador del CCCB y profe en el Observatorio de Cine)

Fantástica sesión del Xcentric el pasado 4 de junio. Material inedito e imposible de ver sin la grandiosa labor del CCCB. Hace tiempo colgue aqui un enlace a su (creo) unico corto disponible en la red, "La revolution n'est qu'un debut. Continuons le combat". Tenia ganas de ver algo mas de el y que casualidad! programan una sesion que parece decir "tienes que venir si o si". Alucinogenos, psicodelia, desnudos y mucho desbarre.

Ademas, vino su hijo (ya mayor) a presentarlo. Al finalizar tuvo lugar un coloquio (mas bien monologo), donde semejante personaje animo a todos los alli presentes a hacer peliculas sin dinero "como mi papa" y conto alguna que otra historieta como que Buñuel no pago a su padre por actuar en "Belle de jour" porque bastante prestigio era ya trabajar para el.

Inolvidable.

GREEN FISH, Lee Chang-Dong 1997

2009-06-19T11:03:00.000-07:00

"nunca podrás escaparte de mi... lo sabes"

La vitalidad del cuerpo joven provoca la muerte del cuerpo viejo.

2009-06-08T07:02:00.000-07:00

Él, el cuerpo viejo, lo estático, el corazón que ya casi no bombea, la insulina, la respiración fatigada. Lo más extra-ordinario que hace es ir al médico o a cobrar. Un cuerpo que dejará de moverse un día de estos. Condenado al estatismo, a permanecer igual o más bien a ir a peor. En plano general para ver su Todo. Todo lo que ha vivido y todo lo que vivirá, que no será mucho más.

Alguien viene a buscarle.

Es Ella…

Ella, el cuerpo joven que no para de moverse, que se esconde, que aparece, se ríe y vuelve a desaparecer. Imposible pillarla entera. Fragmentada, puede realizar más de una acción a la vez. Cada parte de su cuerpo tiene vida propia. De momento, no le preocupa el paso del tiempo. Es joven, y quien dice joven dice ágil, dice bella, dice plena, dice… Disfruta mientras puedas, mientras seas joven, porque eres Muerte: estás matando de envidia a muchos cuerpos viejos.

"There will be no miracles here"
Nathan Coley

Coachella es una fiesta

2009-06-06T06:02:00.000-07:00

¿Iremos?

CONTE DE PRINTEMPS, Éric Rohmer 1990

2009-06-02T08:03:00.000-07:00

Asuntos privados en lugares privados

“Cuento de primavera” (Éric Rohmer, 1990), es una película que florece como la estación a la que hace referencia. Al principio, los colores mutan hasta llegar a ese jardín verde como la primavera que libera a los personajes del estrés de la ciudad pero que destapa los verdaderos problemas. Como una fruta que nace del árbol (ocre-marrón), se despoja del hielo y el frío (azul) para crecer en rojo y madurar en verde.

La cuestión central son los espacios íntimos y cómo los personajes acceden a compartirlos. La escena de la ducha, cuando llega el padre, abre la brecha de un conflicto latente que existía desde el principio pero que no estaba explicitado: el espacio privado es violado por el otro. La manera en que esos lugares son cohabitados genera un tremendo sentido de la posesión, sobretodo en Natacha: “Mi Amazonía” (para referirse al jardín) o “(Eve) camina por los mismos sitios por los que yo caminaba de pequeña”. Un terreno peligroso para una niña. Esa apropiación del espacio desemboca en una apropiación de los objetos materiales. El collar simboliza todo el amor de un padre que no dedica el suficiente tiempo a su hija. Un collar perdido, o bien escondido o bien olvidado, pero descuidado al fin y al cabo.

El espacio es un personaje en sí mismo. Siempre delimitado, habitaciones, puertas y esa cocina que restringe el área dedicada al ritual de la comida. Cuando los personajes se sientan a la mesa es cuando surgen los desencuentros. Aunque parezca que viven en unas vacaciones permanentes, sólo cuando se sientan a charlar o comer, el momento – supuestamente – de mayor distensión termina transformándose siempre en el pretexto para sacar a la luz los pequeños conflictos que los protagonistas guardan en su interior. Conflictos que aunque aparentemente son dramas mínimos, esconden algo más grave: el padre ausente, la madre inexistente por completo y la sustitución de la misma por una mujer que, por edad, perfectamente podría ser otra hija más. Despreciarla es la mejor manera que Natacha encuentra para castigar al padre. La manera en que los personajes racionalizan cada mínimo detalle, hace que el problema adquiera su valor real.

Los protagonistas cargan con una herencia colosal que les abruma y les incita a actuar de esa manera tan particular. Los fantasmas pululan a su alrededor como otro personaje más. El abuelo, el legado, la sangre, convive con ellos en forma de cuadro, representando todo lo que son y serán. El padre, ausente en un principio, llega para perturbarlo todo. El novio de Jeanne, que está de viaje, es continuamente referenciado, pero nunca llega a aparecer. Las dos protagonistas son incapaces de vivir una vida que les ha privado de la presencia física de seres queridos. Viven rodeadas de gente que no está.

El intruso como resorte que destapa las carencias humanas y afectivas. Jeanne es una nómada que, como ella misma dice, “vive en desorden”. De una casa a otra, lo que sea con tal de no estar sola. Lo mismo le ocurre a Natacha, aunque ella lo reconoce abiertamente. Es un personaje que lo domina y lo vampiriza todo, quizás porque realmente no posee nada.

Despotricando 2.0

2009-05-30T18:24:00.000-07:00

Creo que anteriormente había hablado ya de este personaje, Miguel Anxo Fernández, el crítico gallego por excelencia como a mí me gusta llamarle.

Bien pues resulta que me envía estos días un email para animarme a asistir a un curso (previo pago de 60 euros de matrícula, claro) sobre "el audiovisual gallego y las industrias culturales". Tal curso no se trata más que de una estratagema de él y sus colegas para chupar unas perrillas de la Xunta de Galicia y el Ministerio de "Cultura". Los profesores más ineptos y la morralla más grande de la universidad de Vigo participan en las charlas.

Ay Miguel Anxo, Miguel Anxo, ¿no tienes bastante con escribir tu columnita en La Voz de Galicia sobre "Noche en el Museo 2" o cualquiera de esas mierdas que te gustan a tí como para encima dártelas de artífice de la cultura audiovisual? (por cierto, ¿¿qué cultura cinematográfica produce Galicia??)

Ay, hubo un tiempo en el que incluso eras entrañable, metiéndote con Kevin Costner o Gregory Peck... Pero en fin, ¿qué se puede esperar de un hombre que ha editado su propia biografía en la wikipedia y a quien le encanta "Iron Man"?

Y mientras tanto, sigue el culebrón Boyero vs. Almodóvar, cada vez más enrevesado. Estos críticos de pacotilla acabarán con todo...

El travelling de Kapo - Serge Daney

2009-05-26T16:43:00.000-07:00

Texto autobiográfico bellísimo de Serge Daney, publicado originalmente en 1992, en el número 4 de Traffic. Una servidora se desespera y se acojona al pensar que los GRANDES vieron "Noche y niebla" ya en el instituto. ¡Cuánto camino nos queda por recorrer!

¡Por una educación cinematográfica desde la escuela!

(...) Henri Agel (profesor de letras del liceo Voltaire) fue uno de esos guías singulares. Para evitarnos a nosotros y a él la pesadez de las clases de latín, sometía a elección mayoritaria la alternativa siguiente: dedicar la hora a un texto de Tito Livio o ver películas. La clase, que votaba por las películas, salía cautivada y pensativa del vetusto cineclub. Por sadismo y sin duda porque poseía las copias, Agel proyectaba películas apropiadas para "avivar" a los adolescentes. Films como La sangre de las bestias de Franju y, sobre todo, Noche y niebla de Resnais. Gracias al cine supe que la condición humana y la carnicería industrial no eran incompatibles, y que lo peor acababa de ocurrir.

Hoy me imagino que a Agel (para quien el Mal se escribía con mayúsculas) le gustaba atisbar sobre las caras de los adolescentes de la clase de quinto B los efectos de esta singular revelación. Había algo de voyeurismo en esa manera brutal de transmitir, por medio del cine, ese saber macabro e inevitable del cual éramos la primera generación heredera. Cristiano pero no proselitista, militante antes que elitista, Agel también mostraba, a su manera. Tenía ese talento. Mostraba porque había que hacerlo. Y porque la cultura cinematográfica en el colegio, por la cual militaba, pasaba también por esa selección silenciosa entre los que nunca olvidarían Noche y niebla y los demás. Yo no formaba parte de "los demás".

Una vez, dos veces, tres veces, según los caprichos de Agel y las clases de latín sacrificadas, miraba yo las famosas pilas de cadáveres, las cabelleras, los anteojos y los dientes. Escuché el comentario desolado de Jean Cayrol en la voz de Michel Bouquet y la música de Hans Eisler que parecía excusarse de existir. Extraño bautismo de imágenes: comprender al mismo tiempo que los campos de concentración eran verdad y que la película era justa. Y que el cine -¿y solo él?- era capaz de instalarse en los límites de una humanidad desnaturalizada. Sentí que las distancias establecidas por Resnais entre el sujeto filmado, el sujeto filmante y el sujeto espectador eran, tanto en 1959 como en 1955, las únicas distancias posibles. Noche y niebla, ¿una película "bella"? No, una película "justa". Era Kapo la que quería ser una película bella y no podía. Y yo nunca estableceré muy bien la diferencia entre lo bello y lo justo. De ahí el aburrimiento, ni siquiera "distinguido", que me producen las bellas imágenes.

Capturado por el cine, no tuve necesidad de ser seducido. Ni de que me hablaran como a un chico. De niño, no vi ninguna película de Walt Disney. Así como fui enviado directamente a la escuela primaria, estaba orgulloso de haberme ahorrado el bullicioso jardín de infantes de las proyecciones infantiles. Peor: los dibujos animados siempre serían para mí algo distinto del cine. Peor aun: los dibujos animados serían siempre un poco el enemigo. Ninguna "imagen bella", diseñada a fortiori, compensaba la emoción -el miedo y el temblor- frente a las cosas registradas. Y todo eso que es tan sencillo pero que necesité tantos años para formular simplemente, empezó a salir del limbo ante las imágenes de Resnais y el texto de Rivette. Nacido en 1944, dos días antes del desembarco aliado en Normandía, tenía edad para descubrir al mismo tiempo mi cine y mi historia. Menuda historia que durante mucho tiempo creí compartir con otros antes de entender -muy tarde- que era efectivamente la mía.

¿Qué sabe un niño? ¿Y ese pequeño Serge Daney que quería saber todo excepto lo que le concernía directamente? ¿Sobre qué trasfondo de ausencia en el mundo será requerida más tarde la presencia de las imágenes del mundo? Conozco pocas expresiones tan bellas como la de Jean-Louis Schefer cuando, en su libro L'homme ordinaire du cinéma, habla de las "películas que miraron nuestra infancia". Porque una cosa es aprender a ver películas "como un profesional" -para verificar por otro lado que son ellas las que nos miran cada vez menos- y otra cosa es vivir con las películas que nos vieron crecer y que nos miraron, rehenes precoces de nuestra biografía futura, atrapados en las redes de nuestra historia. Psicosis, La dolce vita, La tumba hindú, Río Bravo, El carterista, Anatomía de un asesinato, L'héros sacrilège [Mizoguchi] o, precisamente, Noche y niebla no son películas como las otras para mí.

Los cuerpos de Noche y niebla y, dos años más tarde, los de los primeros planos de Hiroshima mon amour son de "esas cosas" que me miraron más de lo que yo las vi. Eisenstein intentó crear ese tipo de imágenes pero fue Hitchcock quien lo consiguió. ¿Cómo olvidar -no es más que un ejemplo- nuestro primer encuentro con Psicosis? Entramos fraudulentamente al Paramount Opéra y, como es natural, la película nos aterrorizó. Hacia el final, hay una escena sobre la que mi percepción resbala, un montaje fragmentado del cual solo emergen accesorios grotescos: un salto de cama cubista, una peluca que se cae, un cuchillo blandido a punto de atacar. Al terror vivido en compañía le sigue la calma de una soledad resignada: el cerebro funciona como un segundo aparato de proyección que aislará la imagen, dejando a la película y al mundo seguir sin ella. No me imagino un amor por el cine que no se apoye sobre el presente robado de ese "siga usted sin mí".

¿Quién no ha vivido ese estado? ¿Quién no ha conocido esos recuerdos-pantallas? Imágenes no identificadas se inscriben en la retina, eventos desconocidos ocurren fatalmente, palabras proferidas se vuelven la cifra secreta de un saber imposible sobre uno mismo. Esos momentos "no vistos-no capturados" son la escena primitiva del cinéfilo, aquella de la cual estaba ausente aunque solo a él le concernía. En el sentido en que Paulhan habla de la literatura como de una experiencia del mundo "cuando no estamos ahí" y Lacan habla de "lo que falta en su sitio". ¿El cinéfilo? Es aquel que abre desmesuradamente los ojos pero que no se atrevería nunca a decirle a nadie que no pudo ver nada. Aquel que se forja una vida de "mirador" profesional, a fin de recuperar su retraso, de rehacerse y de hacerse. Lo más lentamente posible. (...)

L'avventura

2009-05-11T16:32:00.000-07:00

Castigados sin recreo. Castigo divino, si lo prefieres. Voy y vuelves, pero siempre sin coincidir demasiado tiempo. Lo sabía, lo sabías, lo sabíamos desde el principio. Y aún así nos pusimos a ello. Sin darnos cuenta pasó un año y yo cada vez tengo más necesidad de poseer algo tangible. Carne o beso, da igual. Te busco por la calle como la primera vez que nos separamos. ¿Te acuerdas? Te encontraba en todas las cosas, te sigo encontrando en tonterías. A veces me hace gracia y a veces me apena. Me da la impresión de que aparecerás en cualquier momento. Nunca para quedarte, claro.

Lettre de Barcelone

2009-05-07T04:52:00.000-07:00

Le mammouth!

Le mammouth!

de la Sibérie!

PAUL KALKBRENNER

2009-05-04T13:58:00.000-07:00

Sala Nitsa Barcelona, 02/05/09

Hannes Stöhr presentando Berlin Calling en Gijón

LE RAYON VERT, Éric Rohmer 1986

2009-04-27T04:04:00.000-07:00

La única conclusión posible es que los personajes de Rohmer están siempre solos.

TEOREMA, Pier Paolo Pasolini 1968

2009-04-23T06:07:00.000-07:00

Destruir para crear,

Cupido. Ni Dios ni Satán. Ni ángel ni demonio. Hijo de Venus y Marte, amor y tragedia a partes iguales. Eros en la mitología griega. La personificación del deseo que transforma todo lo que toca, para bien o para mal. Su magnetismo es tan fuerte, tan intensa es la atracción sexual, que traspasa el contexto de la película. No sólo los personajes se colocan a su lado emulando posturas sexuales, sino que el propio director lo ilumina de un modo diferente y lo equipara con la escultura del jardín. Incluso los otros hombres fuerzan el contacto físico con Él a través de empujones y golpes de boxeo.

Mientras los demás leen a Rimbaud y Tolstoi o pasan hojas de un libro sobre Bacon, Él, con sólo una mirada, hace que todos salgan corriendo. Aquí se corre por la simple necesidad de escapar, de no permanecer en el mismo lugar, por la incapacidad de aceptar el deseo al fin y al cabo.

Pero al mismo tiempo que se produce este movimiento de alejamiento, tiene lugar otro equivalente de aproximación. En la habitación del hijo, aparece un letrero que reza “Seize him!”. Puede interpretarse como “deténlo” o “aprésalo”. Cada miembro de la familia encontrará su particular manera de llevar a cabo esta tarea.La hija se sirve de la fotografía para adueñarse de una parte de su esencia, la madre siente que desnudándose estará más cerca de Él, la criada descubre su talento místico y el hijo vuelca toda su desesperación en la pintura. Por tanto la creación se convierte en una expresión de la desolación de los personajes. Sólo a aquellos que están destruidos por dentro se les revela su poder, sólo ellos acceden a la creación artística.

Ningún habitante de la casa es digno del visitante. Su desaparición deja un rastro de cuerpos vacíos e inertes. Incluso los paisajes se vuelven desoladores: calles sin fin, vías de tren, estaciones de autobús. Lugares de paso. De nuevo surge la necesidad de escapar, pero esta vez no es suficiente sólo con correr. La cámara anima a los personajes hacia la movilidad con panorámicas de trescientos sesenta grados. Ellos se limitan a esperar el regreso imposible y a observar a través de ventanas, puertas, cristales y verjas. La hija no consigue fugarse de la cárcel que supone el sentido moral y el decoro de la burguesía, y al ser incapaz de escapar, su cuerpo descansa inmóvil, sin vida. El hijo, en cambio, consigue trascender esos cristales a través de la pintura. Pero después de esa noche en que vio al visitante dormido, sólo es capaz de pintar en azul.

El visitante
(ay mamá!)

Mi primer trabajo del mundo mundial

2009-04-17T05:50:00.000-07:00

Con 22 añazos que tengo, no había trabajado en mi vida hasta hoy (si se le puede llamar trabajar). Ni siquiera vendiendo limonada. Hay que tener cara. Bien, pues en la escuela nos han ofrecido hacer prácticas en la revista de cine Contrapicado. ¡Qué emoción llegar al pase de prensa, decir tu nombre y que te respondan: "Estás en la lista"!

La película en cuestión era "Rudo y Cursi", de Carlos Cuarón (hermanísimo), producida por Guillermo del Toro e Iñárritu. En principio no tenía buena pinta la cosa... pero había algo que me atraía: Diego Luna. Siempre fuí más de él que de Gael (incluso he tenido debates varios), pero éste fue el momento de verlos de nuevo juntos, cada uno con lo suyo a las espaldas (nada reseñable).

Muchas gracias a Contrapicado y a la Escuela Observatorio.

Veremos qué tal.

EL VACÍO LLENA TODO

2009-04-12T22:04:00.000-07:00

Llega un momento en el que, inevitablemente, dejas de mirar hacia arriba. Las mismas calles y los mismos edificios. Un día me dí cuenta de que caminaba mirando hacia abajo, pensando en mis cosas. Cogía el metro sin fijarme en los carteles. Ya no miraba el mapa.

Cuando esto sucede, sólo queda cambiar de ciudad. Necesito algo más pequeño, donde la gente se conozca y te pares a charlar por la calle. Donde haya movimiento, pero no aglomeración. ¿Qué alternativas tenemos? ¿Santiago?

Caminar por calles vacías a las 6 de la mañana de un festivo hace que crezca el sentimiento de vacío.

Quería que una parte de tí se quedase y por eso te pedí que me dejases tu pijama. Y si me lo permites, ahora voy a dormir con él/contigo.

JUDGEMENT, Park Chan-Wook 1999

2009-04-07T04:29:00.000-07:00

Tras un terremoto, el gobierno ofrece ayudas a las víctivas del desastre nacional. En la morgue, dos padres reclaman el mismo cadáver desfigurado.

Anticipa ya algunas de las claves de su cine. Humor negro y degradación moral a partes iguales.

-se parece más a mí!
-no! se parece más a mí!

de cañas en la morgue

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El arte del póster koreano I

2009-04-03T12:29:00.000-07:00

"The quiet family"
Ni se te ocurra poner un pie en su hotel...

"The foul king"
(In the ring, I'm the king)

"The president's last bang"
muy serio lo del chicle...

"The president's barber"
(A time when a bad haircut can get you killed)

"My wife is a gangster"
(lo que dios ha unido... que no se lo cargue ella!)

"Marrying the Mafia ¡¡¡¡ 3 !!!!"

"200 pounds beauty"

Esta peña está fatal de la cabeza...

MEMORIES OF MURDER, Bong Joon-Ho 2003

2009-03-28T17:53:00.000-07:00

¿Hasta qué punto juega la prensa un papel decisivo en las investigaciones criminales? Filtran información que puede ser decisiva en la resolución de un caso. Forman una opinión pública en contra de personas que pueden ser inocentes pero que cargarán toda su vida con la etiqueta de "culpable". Mientras veo la película pienso en el tema de la chica asesinada en Sevilla y el papel que está jugando la prensa en todo esto.

A destacar la relación entre los dos policías protagonistas. Acaban invirtiéndose los roles y el que estaba condenado desde un principio, se salva al prevenir al otro de convertirse en un monstruo como él.

Me sorprende mucho el humor coreano. En una sociedad tan podrida por dentro, los toques de humor que aparecen en todas estas películas son siempre macabros. Ostias y más ostias. ¿Cómo puede ser que el maltrato físico a un discapacitado mental me haga reír?

De regalo, varias escenas de patadas voladoras. Esta gente sí que está en forma! A la mínima te cae una patada del cielo:

CANSINO, Javier Fesser 2008

2009-03-27T09:23:00.000-07:00

Moralmente putrefacta. Cinematográficamente infecta. Utiliza el dolor real de una familia y lo que es peor, de una niña, para hacer una crítica tan tan tan tan tan tan poco sutil al Opus Dei... Menos mal que me dormí por momentos.

Fesser merece arder en el infierno junto con toda la academia del "cine" y porqué no, Rosales también.

UKU UKAI, Audrius Stonys 2006

2009-03-22T14:31:00.000-07:00

El título por sí solo ya evoca algo tribal y ancestral. Un ritual de comunión entre el hombre y la naturaleza. Un manual de instrucciones del cuerpo. Al igual que un electrodoméstico, necesita de una guía de funcionamiento. Su correcta utilización y un mantenimiento periódico influirán en su estado al final de su vida útil.

Respira profundamente mientras corres, became aware of your body, became aware of your thoughts. Ahora estás en armonía contigo mismo y con tus pensamientos. Con todo lo que te rodea. Todo lo que fuiste y eres. El cuerpo desgastado que ya no será nunca más. Sólo le queda recordar lo que era. Ahora necesitas que te maquillen.

Patrones rítmicos que evolucionan como tú. Formados por tus pasos y los latidos apresurados del corazón. Sin sonido ambiente. Todo lo que ocurre fuera del cuerpo no tiene importancia. Sólo tú y la música.

La risa es de todos y para todos. Dura tan sólo un momento. Después no recordarás porqué reías. Pero la mueca quedará en forma de arruga imborrable.

Un mapa detallado del cuerpo: sus arrugas, cartografía del tiempo, cicatrices con o sin nombre. Tan cerca de la piel que casi se puede ver a través de ella. Pero lo importante descansa en la superficie.

La auto-consciencia de un cuerpo que pronto desaparecerá, y aún así, las ganas de seguir viviendo, levantarse cada día, la rutina, los estiramientos. El más difícil todavía. Llegará un día en el que dejarás de moverte, el cuerpo se te llenará de llagas y te tumbarán en una cama fría a tragar tele. Otros cuerpos jóvenes pululan a tu alrededor. Pero sólo tú sabes cuán viejos y decrépitos llegarán a lucir.

La bailarina, el cuerpo hermoso y joven que pronto dejará de serlo. Y no por ello evita jactarse de lo bello que es.

FIVE, Abbas Kiarostami, 2003

2009-03-10T14:17:00.000-07:00

Un tronco a la orilla del mar.

Viene.

Va.

Se rompe.

Pedazo grande, pedazo pequeño.

Daniel es padre, y lo ve como el "papá tronco" y el "hijito tronco".

Sofía está lejos de casa y le entran ganas de abrazar a su mamá.

Yo recuerdo un momento en esa misma playa de noche con Arancha, después de ver "Me and you and everyone we know". Nunca nos habíamos reído tanto en el cine. Risa contagiosa.

Ella está en Italia y hace tiempo que no hablamos.

Te echo mucho de menos.

Corto de mi primo Pablo.

La playa de San Lorenzo.

La función de la crítica

2009-03-03T13:52:00.000-08:00

Siempre he sido de la opinión de que la crítica cumple una función fundamentalmente didáctica. Sobretodo en los tiempos aciagos que corren, cuando ya se ha dejado a un lado la ingenua concepción del cine como herramienta de cambio social y tras la pérdida de valores generalizada, lo importante ya no es "cambiar el mundo", sino proporcionar las herramientas adecuadas para comprenderlo. Lo primordial no es criticar lo nefasto de la producción cinematográfica, sino enseñar y comprender que se sigue haciendo buen cine.

Por esto la crítica debe ser accesible al público general, hay que intentar suturar la herida entre la crítica gacetillera y populista, y la crítica dirigida a un público elitista. Tras la creciente radicalidad y posicionamiento de la crítica española (me refiero al tema "Boyero" o la creciente enemistad entre "Dirigido por" y "Cahiers"), y aunque tengo claro qué lado prefiero, creo que actualmente no existe un término medio, un camino intermedio en el que confluya lo bueno de la vertiente accesible y la que no lo es.

En estas andamos y es justo ahora cuando se me plantea el siguiente dilema. En clase tenemos que escoger un tema para el libro que vamos a escribir entre los alumnos de crítica. Hemos escogido un tema (Nuevo cine coreano) que más o menos me interesa, pero que desconozco por completo. Me imagino entrando en una librería, cogiendo nuestro libro (que desde luego no me compraría) y pensando: qué snobs estos del Observatorio! Así que optaré o bien por la abstracción completa o por meterme de lleno en el tema e intentar aprovechar para investigar y aprender lo máximo posible. Aún no lo tengo del todo decidido...

Y mientras tanto, esto es lo que estoy leyendo:

Keats and Yeats are on your side...

while Wilde is on mine!!!

HE WISHES FOR THE CLOTH OF HEAVEN

2009-03-01T11:34:00.000-08:00

Had I the heavens' embroidered cloths,
Enwrought with golden and silver light,
The blue and the dim and the dark cloths
Of night and light and the half-light,
I would spread the cloths under your feet:
But I, being poor, have only my dreams;
I have spread my dreams under your feet;
Tread softly because you tread on my dreams.

EN EL BALCÓN VACÍO, Jomí García Ascot 1961

2009-02-27T13:45:00.000-08:00

Porque a veces resulta imposible pensar, filmar o escribir si no es desde la memoria.

Probablemente una de las mejores películas (de ficción) sobre la guerra civil española que resulta ser mexicana!

Joan as Police Woman

2009-02-22T12:54:00.000-08:00

... y cuando abrimos los ojos,
las parejas se habían celado y bailaban alrededor...

LA TETA ASUSTADA, Claudia Llosa 2009

2009-02-17T13:35:00.000-08:00

Poderosísima en lo visual y un disfrute para los sentidos.

Algunos cuadros de la película son maravillas compositivas.

Desde los créditos iniciales, alineados en el borde, porque como la propia protagonista dice: "en mi pueblo hay que caminar pegado a la pared, para que no te atrapen las almas en pena que vagan por el camino", hasta ese final liberador junto al mar.

DEUTSCHALND IM HERBST, 1978

2009-02-16T06:53:00.000-08:00

Una vez, incluso,
los ángeles de octubre vinieron en mayo
como ángeles de octubre foráneos
a buscar ángeles de noviembre locales.

Pero los habían matado a tiros.

PICKPOCKET, Robert Bresson 1959

2009-02-08T17:39:00.000-08:00

El propio Bresson declaraba en El camino a Bresson (Jurriën Rood y Leo de Boer, 1984): “El público quiere ver a actores que actúen […] Si no hay actuación ni actores conocidos, sólo ven un vacío”. Su método de trabajo creaba “no actores” o “modelos” como él los llamaba, que estaban vacíos de todo rastro interpretativo. Era capaz de crear momentos dramáticos extremadamente intensos sin necesidad de recurrir a la interpretación o la gestualidad. Sus actores eran simplemente un recurso que cobraba sentido al proyectar sobre ellos todos los otros recursos de los que disponía: la música y el sonido, los movimientos de cámara y la puesta en escena.

En Pickpocket (1959), en la escena del funeral de la madre de Michel, los personajes están en la iglesia de espaldas a la cámara. No necesitamos ver sus caras para saber que están afligidos. Una sola lágrima en una cara vacía de emociones sirve para canalizar toda esa tristeza.

Los rostros, la identidad de las víctimas, no tiene relevancia. Los robos se solucionan con planos secuencia perfectamente coreografiados sin mostrar sus caras. Una película de carteras y caras vacías. El objeto robado es al poco tiempo despreciado o despojado de su valor original. Ni siquiera el dinero tiene mayor importancia ni sabemos en qué lo gasta.

El sonido del film está también liberado de efectos sonoros irrelevantes. Digamos que es un sonido puro pero no naturalista. Hay escenas vaciadas de todo su contenido sonoro para después poder añadir determinados toques de efecto. En las escenas de los robos suelen faltar determinados elementos sonoros que sería lógico que apareciesen, pero están contrarrestados por un ruido fuerte (el taxi que llega, la carrera de caballos).

Lo relevante por tanto no es la meta, sino el proceso. El acto de robar carece por completo de sentido, lo importante son los ejercicios prácticos, el aprendizaje, la rutina, la espera, la duda, la aproximación y por último la consumación del robo. Pero una vez que todo esto ha terminado, sólo queda un vacío.

El protagonista deambula constantemente en búsqueda de algo que pueda llenar ese vacío, dejando a su paso puertas abiertas y habitaciones desiertas. A medida que avanza la película, esas puertas van cerrándose, anticipando así el ingreso en prisión de Michel. Cuando está próxima su encarcelación, se ve obligado a llenar el espacio que ha dejado su cleptomanía. Hasta ahora sólo había visto lugares y caras vacías. Sólo cuando Jeanne llena ese vacío es capaz de amarla.

Creo que en el último párrafo se me ha ido un poco la olla.

Pero sé de alguno al que le encantan estas teorías freudianas y psicoanalíticas! Para que veas que yo soy más "castrodepazense" que cahierista ;)

LOS OLVIDADOS, Luis Buñuel 1950

2009-01-31T08:02:00.000-08:00

Resulta difícil concebir que una película tan pretendidamente realista como lo es Los olvidados (Buñuel, 1950), llegue por momentos a convertirse en un film totalmente alejado del naturalismo del relato, utilizando recursos en algunos casos del surrealismo y en otros de la modernidad.

Recordemos que desde el primer momento se nos advierte de que es una película “totalmente basada en personajes y hechos reales”, y además no debemos olvidar que las primeras imágenes tienen un aspecto completamente documental, incluso con miradas directamente a cámara de los viandantes de las grandes urbes como París, Londres o México D.F. Pero ya con una voz en off dirigiendo el discurso desde el principio.

Existe en la película una tendencia a llevar la mirada hasta el límite de lo visible. La cámara cobra protagonismo cuando un huevo es lanzado hacia el objetivo, cuando los personajes se dirigen hacia ella para salir desde ella (en dos ocasiones sucede esto) o cuando realiza un travelling rompiendo la pared que separa habitación y cocina en casa de Pedro.

Gran parte de las secuencias poseen una estructura narrativa similar, con finales en los que los personajes se alejan hacia el horizonte (el coche del cojo, los dos niños de noche, el tranvía, etc) y el tiempo queda suspendido a la espera de una nueva secuencia. Cada vez que se produce un cambio de escenario a una zona urbana, hay un plano exterior de situación, produciendo un gran contraste entre la ciudad y la zona donde viven los personajes. Estos dos mundos sólo coinciden en la escena del tiovivo, donde unos trabajan para disfrute de los otros.

La serie de escenas en el reformatorio, que podrían parecer ligeramente gratuitas, no lo son en absoluto. Allí dentro tiene lugar un cuadro que resume por completo el tema de la película: la incapacidad del hombre de separarse de la figura materna. Pedro está encerrado por culpa de su madre, por tanto, cuando ella le visita, todas las sombras en forma de lanza son proyectadas hacia la figura de la madre. Él, en cambio, permanece iluminado, cerca de la ventana, que es lo que realmente anhela.

También es apreciable un empeño por filmar desde arriba a la multitud que sólo es comprensible si se mira desde las alturas. En varias ocasiones se repite esto, sobretodo en escenas de multitudes y peleas o sus preliminares. Cuando la muchedumbre se rinde a sus instintos más primarios, se enzarza en peleas o se aleja del camino correcto, la cámara se eleva para juzgarle desde las alturas.

Por último, y que sirve para reafirmar esta teoría, aparece un final que probablemente sea lo más escandaloso de toda la película. Una cámara que se gira para evitar contemplar la escena más desagradable del film, la del cuerpo del niño asesinado en la basura. El título de FIN es incapaz de aparecer sobreimpresionado con esta imagen. Necesita girarse hacia las ramas para esconder toda la vergüenza, la cobardía y la impotencia.

ORDET, LA PALABRA, Carl Theodor Dreyer 1955

2009-01-22T14:54:00.000-08:00

En ocasiones, algunas películas presentan el siguiente dilema: cuando nuestra mirada es tan precisamente dirigida como en Ordet (Dreyer, 1955), ¿necesariamente el discurso es dirigista también?

Desde los primeros instantes, queda bien claro que es un film con un punto de vista totalmente personal. Cuando Anders se despierta para descubrir que su hermano se ha escapado a las dunas, la cámara se gira para comprobar que la cama está vacía y vuelve de nuevo a él para ver que se está vistiendo para salir. Quedan claras así las intenciones de la película. La cámara es totalmente autónoma, dirige los acontecimientos, incluso en ocasiones llega a anticipar los movimientos de los actores o sus entradas en plano. A veces no se atreve a entrar a las habitaciones, o al menos no lo hace nunca deliberadamente, atravesando los marcos de las puertas, sino por corte.

La película posee un fuerte componente teatral, no hay apenas primeros planos, la posición de la cámara es casi siempre frontal, los personajes declaman al infinito sin cruzar sus miradas.

Casi podría definirse como una película coral: ningún personaje sobresale por encima de los demás, cada uno tiene su “momento de gloria”, pero en ningún momento se llega a afirmar que alguno de ellos ha alcanzado la Verdad. Todos tienen sus dudas. Sólo los niños y el loco parecen ser inocentes porque al fin y al cabo, como dice Morten Borgen, “¿Qué es la locura?, ¿qué es la cordura? Nada importa ya”.

Los dos personajes femeninos principales, Inger y Annes, viven situaciones totalmente opuestas: Inger es presentada siempre con ventanas a su alrededor, menos en la escena del parto, pero incluso cuando yace muerta en el velatorio hay ventanas detrás aunque estén tapadas por cortinas blancas. Su fé le hace tener esperanza. Annes, en cambio, vive atrapada al igual que los pájaros junto a los que aparece por primera vez. Incluso al final, cuando por fin es concedida en matrimonio a Anders, sabe que su existencia seguirá siendo igual de oprimente y claustrofóbica, sirviendo a una familia de hombres.

Ciencia e Iglesia son presentados al mismo nivel, tomando café juntos, trazando un eje de simetría a través de la lámpara de mesa. Sus posturas son idénticas: el brazo sobre el sofá, fumando un puro los dos. Los padres de las dos familias enfrentadas son también idénticos a pesar de profesar una distinta fé. En la escena en casa del sastre, los dos beben de la taza a la vez, fuman de la pipa y visten ropas similares.

La serie de escenas de la búsqueda de Johannes puede verse como una búsqueda personal de los personajes, cada uno con una fé diferente, pero buscando respuestas al fin y al cabo. Obviamente es un film profundamente religioso, pero al final ¿qué fé es la correcta? Sólo la fé en el amor es la que triunfa, pero un amor físico y carnal como el de Inger y Mikkel, como demuestra el beso final que cierra la película.

Mi mimo favorito

2009-01-16T14:57:00.000-08:00

QUARANTINE, 2009

2009-01-11T05:21:00.000-08:00

Menos tacos, sustos fáciles, más armas y chistes estúpidos. Si REC funcionaba por su economía de medios y porque el factor proximidad permitía una mayor indentificación con la historia, Quarantine fracasa por todo lo contrario. Está claro que los yankees no dejan lugar ninguno a la improvisación y tienden a la exageración y la "fantasmada".

LA RÉVOLUTION N'EST QU'UN DÉBUT. CONTINUONS LE COMBAT, Pierre Clémenti 1968

2008-12-27T13:42:00.000-08:00

link:

La révolution n'est qu'un début. Continuons le combat

(sólo dura 22 minutos)

Pues sí, ese gánster super-sexy que habita mi fondo de escritorio, realizó en 1968 esta película muda llena de superposiciones, psicodelia, filtros y colores. En mi opinión, mucho más lícito que otros experimentos "sesentayochistas" que luego se quedaron en nada.

Olivier Assayas, Un cine de decadencia

2008-12-21T14:05:00.000-08:00

En su última película, L'heure d'été (2008), es probablemente donde más conscientemente aparece esta idea de la decadencia. Poco apreciada por la crítica en general, según mi gusto a la altura de sus anteriores trabajos.

Al igual que en Demonlover (2002), el punto de partida no es una situación estable, la mansión ya está de capa caída y su propietaria ultimando detalles de la herencia. En este caso, la decadencia es más bien física, de los objetos y las pertenecias, mientras que en Demonlover es una decadencia moral y en última instancia de los cuerpos físicos degradados por las redes ilegales de pornografía, con un final-moraleja a mi juicio un poco descolgado del resto del film (cuidado con lo que ven vuestros hijos en Internet!).

También en Irma Vep (1996) aparece la figura decadente de Jean-Pierre Leaud, que interpreta a un director incapaz de terminar su película, agotado por el rodaje y por su propia vida personal. Tanto este film como L'heure d'été hablan de la imposibilidad del hombre de finalizar su misión. Hélène no deja testamento y son sus hijos quienes tendrán que decidir qué hacer con la mansión y todas las obras de arte heredadas. Los objetos pasan a tener un valor no sólo económico, sino también sentimental y personal en cuanto a símbolos del paso del tiempo. Algunos acabarán en manos de coleccionistas privados, como simples artículos de subasta o en un museo en el mejor de los casos. Perderán por tanto su valor real. Sólo el juego de té y el jarrón se salvarán de la quema.

La casa, que empezaba la película llena de felicidad, recuerdos, niños y perros jugando, sólo puede terminar como sucede en la película. Qué mejor manera de evidenciar el paso del tiempo y la decadencia que con unos niños que han dejado de serlo, adolescentes que organizan una fiesta de despedida a ritmo de rap y cubatas.

Por cierto, la siguiente película de Assayas, Les temps de venir (2010), se centrará en Adrienne, el personaje de Juliette Binoche, que vive en Estados Unidos con su marido (Kyle Eastwood, el hijísimo) y sus diseños son criticados por ser "demasiado americanos" y por haber perdido su herencia francesa. Ver, veremos.

VETUSTA MORLA, 19 diciembre

2008-12-21T13:14:00.000-08:00

Duermo por las tardes,

por las noches me invento su voz.

En las sombras me veo al revés,

en los libros me encuentro mejor.

THE TRIAL, Orson Welles 1962

2008-12-15T15:19:00.000-08:00

Perkins no se levanta de la cama en todo el film. Esto es lo que se deduce en la primera escena de la película. Tras la breve historia gráfica introductoria, la película propiamente comienza con un fundido desde negro a un plano de Joseph K en la cama. ¿Se duerme y comienza el sueño o se despierta para vivir una pesadilla?

En la escena del teatro, el telón no se abre sobre el escenario como sería lógico, sino que la sombra de la tela deslizándose se proyecta sobre el público. Entre la multitud se encuentra Mr. K. A lo largo de todo el film asistiremos por tanto a una farsa, un espectáculo absurdo que gira en torno al protagonista.

Durante toda la película tiene lugar un continuo juego de entradas y salidas, la acción se construye a través de la llegada a nuevos espacios o de la entrada de nuevos personajes. En un mismo espacio (la oficina) llegan a darse los dos casos: mientras la prima Irma intenta entrar, los policías que están siendo azotados suplican que les dejen salir.

Con la sucesión de escenas toma especial relevancia todo aquello que sirve para enmarcar a los personajes. Las puertas que aparecen en el film son los verdaderos protagonistas, catalizadores de la acción. Desde el principio se puede observar la importancia de las puertas que comunican un espacio con otro, en ocasiones sin lógica alguna. El protagonista de la fábula del principio anhela atravesar la puerta que le llevará ante la Ley, es más, esa puerta ha sido construida para él, nadie más puede atravesarla. Una puerta es lo único que separa a Mr. K de Jeanne Moreau, sin embargo, hasta el comienzo del film, ellos apenas se conocen y esa puerta nunca ha sido abierta. Una puerta gigante es la que cierra Joseph K al salir de la sala del juicio, abandonando toda esperanza de ser juzgado justamente.

La luz, los interiores, los decorados y las proporciones contribuyen a

crear esa sensación de distorsión espacial y temporal, lo cual vuelve a evidenciar el carácter irreal de la acción. En ningún momento se indica dónde transcurre la acción, no hay ninguna referencia ni de tiempo ni de espacio.

En sueños aparece ese sentimiento de culpabilidad, esa pérdida de la identidad individual y esa sensación de un “alguien” superior que controla el destino del protagonista. Welles debió de sentirse cómodo con esta adaptación de Kafka en la que le era posible añadir su habitual crítica al poder y a las instituciones.

BURROS INTEGRALES

2008-12-05T16:29:00.000-08:00

Diana Ramahí

DANGER! DANGER! Esta tía está dando clases en Pontevedra de Teoría de algo y el año pasado daba clases de producción. Dicha elementa confunde a Kirk Douglas con Douglas Sirk y escribe literalmente: "Tristan y Solda". ¿Esta inepta puede enseñar algo?

Miguel Anxo Fernández

PELIGRO! Este personaje, el crítico gallego por excelencia, se encuentra actualmente dando clases de Narrativa Audiovisual, Historia del Cine y Teoría de la Comunicación. Le encantan las ediciones especiales de películas como Troya, Crash (la mala), La Terminal, Iron Man, etc etc. y escribe en la Voz de Galicia sobre estrenos como "Doraemon y los siete magos" y demás bazofia. Sólo hay que ver la foto.

Con semejantes profesores, ¿cuán borricos pueden ser los alumnos? ¿qué clase de profesionales pueden salir de la facultad de ciencias sociales de Pontevedra?

Que Dios nos coja confesaos...

46 Festival de Cine de Gijón

2008-12-03T02:45:00.000-08:00

El brau blau - Daniel V. Villamediana
Je veux voir - Joana Hadjithomas & Khalil Joreige
Pandora's box - Yesim Ustaoglu
El cant dels ocells - Albert Serra
La mujer rubia/sin cabeza - Lucrecia Martel
Historia de un grupo de rock - Juanma Bajo Ulloa
Entre les murs - Laurent Cantet
Eldorado - Bouli Lanners
La vie moderne - Raymond Depardon
Human remains - Jay Rosenblatt
An injury to one - Travis Wilkerson
Cortos Eve Heller
Reflexos de Chaplin - Isaki Lacuesta, Albert Serra, Pere Vilà, Lluis Hereu
Roskilde - Ulrik Wivel
East of paradise - Lech Kowalski
Berlin calling - Hannes Stöhr
35 shots of rum - Claire Denis
Who's Bozo Texino - Bill Daniel
Waltz with Bashir - Ari Folman
Let the right one in - Thomas Alfredson

Gonzalo de Lucas (GdL) en TeleGijón
crítico

Daniel V. Villamediana
crítico y director El brau blau

Albert Serra
director El cant dels ocells

Álvaro Arroba
crítico

Juanma masBajonopuedecaer Ulloa
pringao

Eve Heller
videoartista

Hannes Stöhr
director Berlin Calling

Concierto Russian Red

M - MÖRDER UNTER UNS, Fritz Lang 1931

2008-11-18T14:14:00.000-08:00

Filmar al monstruo

En una época en la que en la República de Weimar reinaba un clima de inseguridad ciudadana, tras el despertar de instintos criminales propiciado por el pesimismo y la derrota en la I Guerra Mundial, los veteranos mutilados, mendigos, traficantes y delincuentes recorrían las calles durante la Gran Depresión. Es en este contexto cuando aparece la figura

del “lustmord”, el asesino sexual. Otto Dix, que llegó a residir en Dusseldorf, pinta entonces una serie de obras muy representativas sobre este tipo de crimen sexual y sobre la sociedad alemana del momento.

Hacia 1925 aparece Peter Kürten, “el vampiro de

Dusseldorf”, en cuya historia real está inspirado el

film de Fritz Lang. En la película, es un monstruo que va dejando el vacío tras su paso: el primer asesinato se comete en un fuera de campo terrorífico, dejando el patio y las escaleras vacíos, la pelota sin dueño y el globo enredado en los cables eléctricos. También al final, cuando es apresado en el edificio de oficinas, deja paso a la nada y a un ambiente enrarecido.

Durante de la mayor parte del film nunca se le ve el rostro de manera directa. La primera vez, aparece tras el travelling de la víctima con la pelota, como una sombra sobre la noticia titulada “Quién es el asesino?”. En su casa, le vemos reflejado en un

espejo y en la calle, a través de un escaparate o detrás de unos arbustos, pero nunca abiertamente. Por una parte esto contribuye a crear el suspense propio a la intriga del film: ¿quién es el asesino?, ¿cómo es? y por otro lado le muestra como un ser fantasmagórico y no-humano que actúa en la sombra. El asesino podría ser cualquiera, “el asesino está entre nosotros”, M es una persona y todas al mismo tiempo.

Este recurso también se utiliza, aunque en un sentido diferente, cuando termina la conversación de los jefes del mundo del hampa y lo último que vemos es su sombra en la pared mientras hablan de “actuar en la sombra” y utilizar soplones.

Es por fin cuando al asesino se le escapa por primera vez una víctima, cuando el monstruo empieza a sacar su lado humano. Por fin aparece la explicación a sus actos, sus problemas psicológicos. Al final de la película, el protagonista se ha despojado por completo de su careta monstruosa para enseñar su verdadera cara, la de alguien tan enfermo como la sociedad alemana del momento a falta de tan sólo dos años para el ascenso al poder de Hitler.

Es por tanto una película que juega muy bien con lo que enseña y lo que no. Está claro que no hace falta que aparezca ningún policía para saber que han llegado en la escena del juicio. Tampoco necesitamos ver toda la conversación entre el ministro y el jefe de policía, se soluciona y aligera con insertos de las huellas y de la investigación que se está llevando a cabo. Sin embargo, en el plano secuencia del reparto de distritos a los soplones, la cámara se cuela a través de la ventana. En esta ocasión, sí interesa mostrar lo que está pasando dentro, aunque sea a través de una mirada trastornada con capacidad para atravesar cristales.

Una película de decisiones y de tomar partido en cuanto a qué mostrar y qué no, pero a la vez también a nivel argumental, pues exige un posicionamiento moral del espectador en la escena del juicio. Una película sobre contrarios y sobre diferentes puntos de vista, en ocasiones solucionado a través de montaje paralelo. Sobre fuerzas enemistadas incluso en la propia cabeza del protagonista.

felicidades

2008-11-16T09:15:00.000-08:00

tiramisú receta Mila

V.V.V.V.V.

2008-11-14T03:36:00.000-08:00

Russian Red + Joan as Police Woman

2008-11-09T11:50:00.000-08:00

Jueves 6 de noviembre
Sala Mephisto, Barcelona

Russian Red

2008-10-26T12:32:00.000-07:00

take me home

It's your guitar that discovers you wild
For all I can see is the dark of a sky
And the plumbs in a glass jar of wine.

Take me home, take me home, take me home, don't know
Take me home, take me home, take me home, don't know
How I got here, but now you?

Take me home, take me home, take me home, don't know
Take me home, take me home, take me home, don't know
How I subsist with candled up nights and pure spirits.
I don't know how you dragged me here.

And it's my guitar that discovers me blind
For all I can see is the clarity side
And the bones someone spat
On the trash from the plumbs?

Take me home, take me home, take me home, don't know
Take me home, take me home, take me home, don't know
How I got here, but now you?

Take me home, take me home, take me home, don't know
How I subsist with candled up nights and pure spirits.
I don't know how you dragged me here.

If you can call the name of our hope
That probably means I'm not there.
Take me home, take me home, take me home, don't know
How?

KARDIOGRAMMA, Darezhan Omirbayev 1995

2008-10-17T16:11:00.000-07:00

Pobre Jasulan!

Jasulan está enfermo del corazón y pasará un tiempo en un sanatorio. Los otros niños hablan en ruso, él sólo sabe kazajo... incomunicación + entrada en la adolescencia = isolación.

Lo importante: el aspecto formal. Mirar, ser mirado, volver a mirar, espiar y ser espiado. Y siempre la mirada de un niño, pero un niño que se hace mayor.

Kardiogramma

Russian Red

2008-10-08T12:46:00.000-07:00

Cuando empecé a escuchar el disco pensaba "menuda petarda" y al acabar... estaba flotando! Un disco para escuchar sin prisas.

6 de noviembre en la sala Mefisto en Barcelona y 25 de noviembre en el festival de cine de Gijón. Malo será que no se me logre ninguno de los 2 conciertos!

Ay qué encanto de mujer!

http://www.myspace.com/russianready

Festival de Cine de Gijón 2008

2008-10-01T04:40:00.000-07:00

http://www.gijonfilmfestival.com/

Del 20 al 29 de noviembre. Ya adelantaron algunos contenidos, lo más interesante de momento: la retrospectiva a Lucrecia Martel y el ciclo "Una parte del cielo. Directoras europeas en el nuevo milenio". Falta por dar a conocer la sección oficial, universo media, etc etc.

vivaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa!

VENDREDI SOIR, Claire Denis 2002

2008-09-25T15:24:00.000-07:00

“Chica conoce a chico”, una historia tan antigua o más que el propio cine. Laure y Jean no se conocen pero es que además, la directora se encarga de despojarlos de personalidad y de cualquier rastro o detalle de su pasado: son unos completos desconocidos para el espectador. Una película de dos personas literalmente atrapadas, que finalmente son liberadas para sucumbir al placer. Sin una línea narrativa convencional, la película juega con la ambigüedad de lo acontecido: ¿es todo un sueño de la protagonista? Probablemente sea así. Un sueño propiciado por la ansiedad de la mudanza, por la proximidad del cambio de vida (Laure se está mudando a vivir con su novio).

En algunos sentidos, la película tiene ciertos toques hitchcockianos: el tema recurrente del deseo, el hombre del motel, la escena en la que Laure se escapa… La propia Claire Denis ha declarado en varias ocasiones que “el deseo” es el material principal de sus películas, como ha quedado demostrado en otros filmes como “Trouble every day” (2001) o “L’intrus” (2004).

En esta ocasión, el material originario de la película fue la novela homónima de Emmanuèle Bernheim, quien trabajó mano a mano con Denis en el guión. La cineasta declaró en una entrevista realizada por Aimé Ancian: “Me encantan los libros de Emmanuèle, su manera de describir sensaciones; de una manera muy precisa, muy meticulosa, que pone en la misma frase lo consciente y lo inconsciente, así como lo que es experimentado y lo que es deseado”. En el libro, el personaje de Vincent Lindon se llamaba Frédéric en lugar de Jean. Por algún motivo, el actor odiaba ese nombre y fue sustituido por el de Jean cuando Claire Denis le dijo que se parecía a Jean Gabin de perfil con su cigarrillo.

El diálogo es casi inexistente en la película, y cuando aparece, no suele utilizarse para aportar ningún dato relevante ni explicativo (como es el caso de la escena del taxista). Al principio, el guión fue escrito con una voz en off que afortunadamente fue eliminada ya que la película resulta así una experiencia sensorial en la que la música, las texturas, los colores, los brillos, juegan a entremezclarse entre sí creando formas que hacen confiar plenamente en el poder del cine y mantener la fé en el mismo como instrumento último de representación.

Toda la película es un ir y venir, un movimiento de acercamiento será más tarde compensado con otro de alejamiento: los coches que se mueven lentamente en el atasco, el deseo, las aproximaciones y posteriores separaciones de los dos protagonistas… Mientras permanecen en el atasco, no llegan nunca a rozarse, al igual que los coches, que circulan sin tocarse. Esto cambia en la segunda parte del film: en la calle, el deseo ya aparece físicamente, hasta llegar a la escena donde se rozan en las escaleras hacia el baño, un momento suspendido en el tiempo. Sobre esta escena en concreto se ha hablado como un homenaje a “In the mood for love” de Wong Kar Wai, pero la propia Claire Denis afirma: “Sí, bueno, lo entiendo. In the Mood for Love es una película que me gusta mucho, pero conozco a Wong Kar-Wai y para mí hay una gran diferencia entre las dos películas. In the Mood for Love es una película en el pasado, una película de recuerdos, una película nostálgica. Mientras que, me parece, Vendredi Soir es una película en el presente, y muy concreta”.

11-S... here we go!

2008-09-08T08:04:00.001-07:00

I fell in love with you
now you're my one and only
'cause all my life I've been so blue
but in that moment you fulfilled me...

Now I write letters to Australia,
now I throw bottles out to sea,
I whisper the secret in the ground
no one's gonna take you away from me.

Dime que me quieres...

2008-08-27T10:22:00.000-07:00

¿Quién necesita hoy cosas bellas, Claudia?
¿Cúanto duran?

LES AMANTS DU PONT-NEUF, Leos Carax 1991

2008-08-13T11:29:00.000-07:00

A él la última vez que le ví fue haciendo de Chaplin en Mister Lonely y ella... ella siempre será la más bonita. Leos Carax consiguió permiso para cortar el Pont Neuf, pero terminó construyendo una réplica. Las dos únicas veces que los tres trabajaron juntos dieron maravillosos resultados...

IRMA VEP, Olivier Assayas 1996

2008-08-08T05:36:00.000-07:00

Entra directa a mi top 5 de cine dentro del cine y probablemente mi favorita de los 90.

Resulta traumático ver a Jean Pierre-Leaud hacer publicidad de Coca-cola. Quiero pensar que es una broma. ¿Dónde quedó Radio Pekín?

The origin of love

2008-07-25T08:12:00.000-07:00

"El amor no es sino el deseo de unión y fusión, la búsqueda desesperada de la mitad perdida, el amor es la nostalgia de la primigenia unidad perdida entre hombre, mujer y andróginos".

Hedwig & the angry inch
John Cameron Mitchell, 2001

Discurso de Aristófanes
El banquete, Platón

Rufus Wainright en L'ÂGE DES TÉNÈBRES, Denys Arcand 2007

2008-07-13T15:20:00.000-07:00

Du moment qu'on aime
L'on devient si doux.
Et je suis moi-même
Plus tremblant que vous.

Hé quoi ! Vous craignez l'esclave timide
Sur qui vous régnez !
N'ayez plus de peur,
La haine homicide
Est loin de mon cœur

Du moment qu'on aime
L'on devient si doux.
Et je suis moi-même
Plus tremblant que vous.

LE MYSTÈRE KOUMIKO, Chris Marker 1965

2008-07-08T13:31:00.000-07:00

Marker: ¿Ves la belleza japonesa como nosotros? ¿Y a los niños japoneses?

Koumiko: Es increible cuánta violencia y ternura inspira la belleza en otros. Y no puedo imaginarme cómo ves la belleza japonesa o los niños japoneses. Los niños japoneses bellos también son bellos para mí. Podrían representar la belleza japonesa.

Pero cuando miro niños europeos bellos... entiendo cómo fue que descubristeis a los ángeles. Porque eso es lo que son. No importa lo hermosos que sean... los niños japoneses nunca son ángeles.

Es igual con los ojos. Los tímidos ojos asiáticos, que siempre intentan esconder algo. Los ojos europeos son como lagos que tentan y ahogan. Cada pueblo tiene su propia belleza. ¡Es asombroso que los ojos europeos tengan distintos colores!

Me pregunto quién inventó los ojos azules...

VENDREDI SOIR, Claire Denis 2002

2008-07-05T14:21:00.000-07:00

(...) in your arms im softly resting
memories of you undressing
and your lips my final blessing
I never knew the embrace that i'd been lacking

I and you baby why don't we feel guilty?
whys it seem were doing right?
when were doing something filthy
in a rented room tonight

Más vale tarde que nunca...

OBSERVATORIO DE CINE, barcelona

2008-07-01T15:20:00.000-07:00

Tengo miedo de perderme por la ciudad...
Tengo miedo de ser la más pequeña de todos...

Tengo miedo de que sean todos unos pedantes...
Tengo miedo de sentirme sola...
Tengo miedo de que el primer día me pregunten si conozco a un director armenio que se llama Chuskis-Chuskis...

En definitiva,
tengo miedo de ser como ellos...

LA FILLE COUPÉE EN DEUX, Chabrol 2007

2008-06-23T04:29:00.000-07:00

Una bofetada en la cara a todos los que dicen que Chabrol ahora solo hace "obras menores". En mi opinión, una cinta muy superior a sus anteriores "L'ivresse du pouvoir" y "La demoiselle d'honneur", aunque no me atrevería a nombrar "La fleur du mal", estas dos últimas también con Benoît Magimel. Aunque mi favorita sigue siendo "La década prodigiosa", Chabrol es uno de esos directores regulares que nunca defraudan porque sabes lo que vas a ver antes de entrar en la sala.

Me encantó la secuencia final en la que Gabrielle es cortada a la mitad mientras llora. Antes no podía escoger entre los dos hombres y ahora no tiene a ninguno. Partida en dos y muerta al fin y al cabo. Quizás un título demasiado poco sutil.

Y Ludivigne Sagnier divina, ya apuntaba maneras desde "8 femmes" de Ozon.

Tirada en la cama sin fuerzas ni para comer.

Demasiadas analogías con la vida real...

WHISKEY MAN - The Ox

2008-06-10T04:16:00.000-07:00

Whiskey Man's my friend,
he's with me nearly all the time.

He always joins me when I drink,

and we get on just fine.

Nobody has ever seen him,

I'm the only one.

Seemingly I must be mad,

insanity is fun,

If that's the way it's done.

Doctors say he just a figment of my twisted mind

If they can't see my Whiskey Man they must be going blind

Two men dressed in white collected me two days ago

They said there's only room for one and Whiskey Man can't go.

Whiskey Man will waste away if he's left on his own.

I can't even ring him 'cause he isn't on the phone.

Hasn't got a home.

Life is very gloomy in my little padded cell.

It's a shame there wasn't room for Whiskey Man as well.

Whiskey Man's my friend,

he's with me nearly all the time.

He always joins me when I drink,

and we get on just fine...

Just fine...

LA CONDENA - Kafka vs. LA CONDENA - Bela Tarr

2008-06-02T11:07:00.000-07:00

… ¿qué podía escribírsele a un hombre de este tipo, que, evidentemente, se había enclaustrado, de quien se podía tener lástima, pero a quien no se podía ayudar? ¿Se le debía quizá aconsejar que volviese a casa, que trasladase aquí su existencia, que reanudara todas sus antiguas relaciones amistosas, para lo cual no existía obstáculo, y que, por lo demás, confiase en la ayuda de los amigos? Pero esto no significaba otra cosa que decirle al mismo tiempo, con precaución, y por ello hiriéndole aún más, que sus esfuerzos hasta ahora habían sido en vano, que debía, por fin, desistir de ellos, que tenía que regresar y aceptar que todos, con los ojos muy abierto de asombro, lo mirasen como a alguien que ha vuelto para siempre; que sólo sus amigos entenderían y que él era como un niño viejo, que debía simplemente obedecer a los amigos que se habían quedado en casa y que habían tenido éxito.

¿E incluso entonces era seguro que tuviese sentido toda la amargura que había que causarle? Quizá ni siquiera se consiguiese traerlo a casa, él mismo decía que ya no entendía la situación en el país natal, y así permanecería, a pesar de todo, en su extranjero, amargado por los consejos y un poco más distanciado de los amigos. Pero si por la forma de actuar, no se encontraría a gusto entre sus amigos ni tampoco sin ellos, se avergonzaría y entonces no tendría de verdad ni hogar ni amigos. En estas circunstancias, ¿no era mejor que se quedase en el extranjero tal como estaba? ¿Podría pensarse que en tales circunstancias saldría realmente adelante aquí?

CHERUBINO

2008-05-27T11:01:00.000-07:00

Cherubino no conoce aún el amor. Demasiado joven. Ay pobre Cherubino! Todas las damas le hacen palpitar, todas las damas le hacen palpitar. Y si no tiene quién le escuche, habla de amor consigo mismo, habla de amor consigo mismo.

Voi che sapete che cosa è amor,

donne, vedete s'io l'ho nel cor.

Quello ch'io provo vi ridirò,

è per me nuovo, capir nol so.

Sento un affetto pien di desir,

ch'ora è diletto, ch'ora è martir.

Gelo e poi sento l'alma avvampar,

e in un momento torno a gelar.

Ricerco un bene fuori di me,

non so chi'l tiene, non so cos'è.

Sospiro e gemo senza voler,

palpito e tremo senza saper.

Non trovo pace notte né dì,

ma pur mi piace languir così.

Voi che sapete che cosa è amor,
donne, vedete s'io l'ho nel cor.

Cherubino alla vittoria! Alla gloria militar!

THEY ARE NIGHT ZOMBIES!! THEY ARE NEIGHBORS!! THEY HAVE COME BACK FROM THE DEAD!! AHHHH!!

2008-05-26T13:51:00.000-07:00

We are awaken with the ax
Night of the Living Dead at last

They have begun to shake the dirt

Wiping their shoulders from the earth

I know, I know the nations past
I know, I know they rust at last
They tremble with the nervous thought
Of having been, at last, forgot

Speaking their names, they shake the flag
Waking the earth, it lifts and lags
We see a thousand rooms to rest
Helping us taste the bite of death

I know, I know my time has passed
I'm not so young, I'm not so fast
I tremble with the nervous thought
Of having been, at last, forgot

DIMENSIÓN ¿ÓRFICA? ¿ORFÉICA? DE LA OBRA DE TARKOVSKY

2008-05-14T04:22:00.000-07:00

Los personajes y las historias de las películas de Tarkovsky son fácilmente relacionables con los del mito de Orfeo, convertido en ópera a manos de Gluck en 1762. Empezando porque Gluck fue un renovador basándose en la sencillez y la ausencia de artificio y virtuosismo vocal. El eslabón sería el ascetismo de Bresson de quien Tarkovsky se declaró ferviente admirador.

En cuanto a la relación entre el mito de Orféo y la filmografía tarkovskiana, por una parte, Ivanovo detstvo (La infancia de Iván, 1962) no es más que la historia de la degradación y la caída en el pozo (ejemplificada literalmente en la escena del ¿sueño? en la que Iván se cae al pozo mientras su madre observa desde arriba) Es una película de muertos-vivientes. Los personajes vagan entre la vida y la muerte, los únicos muertos reales son los espías colgados con el cartel de "Bienvenidos". ¿Bienvenidos a dónde? Bienvenidos al infierno. Además, ¿debería la secuencia final interpretarse como un pensamiento en el momento de la decapitación o como un sueño que continúa más allá de la muerte?

Más tarde, Solyaris (1972), un regreso circular de un Orfeo buscando a Eurídice (en este caso Hari) que no se atreve a mirarla a los ojos porque sabe que ella no es real y que no quiere regresar al mundo de los vivos porque significaría perderla. Más vale pájaro en mano... aunque no sea real.

En Stalker (1979) se hace aún más clara la idea de la búsqueda, del vagar entre la vida y la muerte. Búsqueda frustrada al final pero, ¿cuál era el propósito: el premio último o los cambios y las consecuencias del camino?

De nuevo Tempo di viaggio (1983) no es más que un viaje en búsqueda de las localizaciones para rodar su penúltima película, Nostalghia (1983). Y aquí otra vez el dolor por el regreso, por la incapacidad del regreso más bien, que es el significado del término "nostalgia". La memoria de algo que ya no está.

Y para terminar, su última película, "Offret" (Sacrificio, 1986), el final del camino, el fin de la búsqueda, la figura de la inutilidad y la figura de lo que permanece ("lo resistente" que diría Adorno). Es un anuncio de la muerte, pero la cuestión es que no vamos hacia ella, sino que venimos de ella. Y es por esto que la obra de Tarkovsky es inmortal e imperecedera, continúa más allá de su muerte. En el documental de Michal Leszczylowski él mismo dice "soy inmortal, ¿tú no?".

AFTER WATCHING A LOCAL HIGH SCHOOL STAGE PRODUCTION OF GEORGE ROMERO'S "NIGHT OF THE LIVING DEAD"

2008-05-08T05:16:00.000-07:00

Dressed in decaying suits and ties, wrinkled zombies
threaten the shiny-faced and hiply-attired.
The kids are all right, the living ones anyway.

They've locked themselves in a room.
With grunge rock and a plastic axe,
they repulse the flesh-eaters clawing at the door.

Momentarily, the music seems to help,
until the monsters start mashing to the beat,
mocking it, turning the teens' noise against them.

It's ugly to watch, this corruption, this soiling
of what was once fresh, if a little petulant.
For all the good it did, kids might've blasted Welk.

Sure, the stage creaks, lines are mangled, and the effects
are less special than in the original no-budget 1968 classic.
But the ending haunts me: Upon being partially devoured,

the young rise up, features dulled, arms extended,
jerking like the other rancid puppets,
in love with death as only the young can be.

"Monster Fashion",
Jarret Keene
Manic D Press, 2002
San Francisco

FIDELIDADE A UNHA OBSESIÓN

2008-05-04T07:47:00.000-07:00

"cago'n mi manto qué frio"

Durante toda esta semana, del 5 al 9 de mayo, tendrá lugar en la Casa das Campás unas jornadas dedicadas a Andrei Tarkovski. Yo pensaba que en Pontevedra no se organizaba semejante cosa y he sido gratamente sorprendida. Se proyectarán todas sus películas y también algunos documentales y cortometrajes, acompañados de conferencias y charlas-coloquio. Dos proyecciones y dos charlas cada día. Ocasión única para disfrutar de los filmes de Tarkovsky en pantalla grande. Lo mejor de todo es que la matrícula es gratuita y además conceden dos créditos de libre configuración (los dos que me faltan)... por ver cine!!! Estoy que no quepo en mí misma de gozo.

Casa das Campás, Pontevedra.

A continuación, colección de polaroids tomadas por Tarkovski:

DIE PATRIOTIN, Alexander Kluge 1979

2008-04-22T14:09:00.000-07:00

La Patriota significa sentirse culpable de las víctimas del 3º Reich.

La patriota en cuestión es Gabi Teichert, profesora de Historia de un instituto de Hesse que considera que los contenidos didácticos no son apropiados y que la única solución es cambiar la Historia. Los libros no son la Historia, sino el producto de la misma.

La película es la Historia del pueblo alemán contada por la rodilla del cabo Wieland, muerto en Stalingrado en enero de 1943, porque como la propia rodilla dice: "Los que buscan la historia en los libros de la biblioteca están equivocados, la historia está en los muertos, en las células muertas". La rodilla que constantemente alude al cuerpo muerto, ausente en la historia. La Historia como historia de la guerra y la muerte.

"Algún día las montañas se levantarán. Su sueño es pasajero"

"Aquel que se ríe de las fábulas, es porque nunca pasó necesidades"

Una de esas películas que te cambian la vida.

Alexander Kluge

GELEGENHEITSARBEIT EINER SKLAVIN, Alexander Kluge 1973

2008-04-02T02:08:00.000-07:00

"Trabajos ocasionales de una esclava" forma parte del tríptico de Kluge junto con "Una muchacha sin historia", que proyectaron en la pasada edición del Festival de Gijón y "La patriota", que me falta por ver. La protagonista es Alexandra Kluge, hermana del director y por lo visto actriz fetiche. Roswitha tiene una clínica clandestina en la que practica abortos, según ella para poder tener más hijos propios. La escena del feto es lo más fuerte que ví nunca y soy capaz de imaginar el tipo de reacciones que provocó en su momento (1973).

"Dame un punto de apoyo fuera de la familia y moveré el mundo" pariodia de Kluge a Arquímedes.

"Todo lo que pone al hombre en movimiento debe pasar primero por la cabeza. Pero la forma que adquiere en esa cabeza depende de las circunstancias" Cita a Engels.

El viaje

2008-03-25T05:42:00.000-07:00

Clase magistral de Lech Kowalski

2008-03-17T16:38:00.000-07:00

El sábado Kowalski dió una master class en el Play-doc, en Tui. Empezó a las 5 y terminó a las 8 y pico. Fue una experiencia única, es un hombre que realmente contagia las ganas de hacer cine. Ha tenido la suerte de estar en el momento preciso en el lugar preciso y se nota que ha acumulado experiencias únicas. Además, sabe contarlo contagiando las ganas de vivir y de rodar. Y sobretodo, tiene un pelo pantene.

Dió muchos consejos interesantes. Considera el cine como una coreografía, visión que comparto de manera entusiasta. Habló de la necesidad de omitir información y de utilizar la música de modo congruente. Nos dijo que los que estábamos allí éramos víctimas de la MTV y que la música era very dangerous in cinema. Nos explicó lo que él llama el "momento zen", o sea la no-ruptura del momento, lo cual hace que se produzcan imágenes mágicas ante la cámara. Habló de Jarmusch, coleguilla de su misma generación y de cuánto odia los "Hollywood fuckin' films". Por último, dijo que le encantaban las drogas, y que la droga ideal sería una que borrara la memoria en el momento del montaje, para que el cineasta montase objetivamente y no pudiese encariñarse con el material filmado. Un artistilla, pero con las ideas claras.

Qué pena no haberme atrevido a ir a darle un beso.

CHRONIK DER ANNA MAGDALENA BACH, Jean-Marie Straub & Danièle Huillet

2008-03-09T12:47:00.000-07:00

“(…) Excepción parcial de lo antedicho la constituye el más conocido de sus films, la Crónica de Anna Magdalena Bach. El trabajo de recolección comienza aquí en lo puramente literario: la hermosísima, serena semblanza, que de su esposo nos ofrece la segunda de las cónyuges de Bach es, en su totalidad, una exquisita y admirable invención de la pareja Straub-Huillet: de Anna Magdalena Wilcke no nos ha quedado una nota, un retrato, una carta, ni otra cosa que una intrascendente dedicatoria manuscrita en las últimas páginas de la biblia familiar: el personaje fílmico es pura ficción. Y más admirable todavía si tenemos en cuenta que ninguna de las palabras por ella pronunciadas procede tampoco de la pareja de guionistas: el fascinante efecto de arcaísmo lingüístico que sin la menor afectación perfuma la totalidad del relato, no es otra cosa sino la propia realidad textual de las palabras procedentes de una veintena de fuentes autógrafas que abarcan desde cartas del propio Bach a sus hijos o al primo Johann Nikolaus (…) El personaje aparece así construido a partir de la Palabra (una palabra que nunca es suya, por cierto, lo que no deja de entrañar un sutilísimo comentario sobre la condición femenina), pero los guionistas han construido este discurso a partir de esa misma Palabra Recogida, que tampoco les pertenece y a la que una nueva articulación dota de renacida existencia. Palabra que se manifiesta en todo su actual frescor, presencia viva de un pasado palpitante que, como la propia música que con ella se articula, se construye ante nosotros a partir de sus propios restos habitables.

Gustav Leonhardt, un clavecinista eminente, encarna al propio Bach; el resto de los músicos, con Nikolaus Harnoncourt a la cabeza, son intérpretes eximios de música barroca, empeñados desde mucho tiempo atrás en una delicada batalla por la conquista de las sonoridades originales. La ejecución musical es recogida en sonido directo, en plano obstinadamente fijo, sin una fisura cómplice, sin la menor metáfora, sin la más leve imagen externa al propio trabajo que es objeto del relato y sujeto de la enunciación sonora que la filmación, escrupulosamente, recoge. Música ejecutada desde los propios espacios en que se originó, con ropas e instrumentos cuidadosamente reconstruidos, con partituras manuscritas sobre los atriles, con sus duraciones completas y sin elipsis, con todo su espesor, su densidad, su carnalidad significante y abrumadora. La Música y la Palabra yerguen su realidad ante nosotros, esa realidad que es la de un proceso de producción minuciosamente reconstruido y articulado hasta donde la musicología podía llegar en 1967. (…)

Este exacerbado rigor dota a cada uno de los films de Straub de cierta cualidad de cosa única e irrepetible. E insoportable, también, para la visión convencional; en este sentido, el film sobre Bach alcanza dimensiones ciertamente paradigmáticas: al mostrar la música desde el punto de vista de sus creadores y ejecutantes, en perpetua lucha contra unas condiciones laborales casi leoninas, ampliamente descritas, exhibiendo en toda su tremenda realidad la dificultad extrema y el esfuerzo y la habilidad verdaderamente desmedidos que la interpretación de esta música requiere, la Crónica tiene, asimismo, algo de extenuador y de impúdico. Todo aquí es trabajo: las copias de las partituras, la obtención de partes, los ensayos (que cabe suponer interminables), la enorme concentración que la ejecución demanda. Pero no existe la más leve mácula de romanticismo; Bach es mostrado como lo que probablemente fue: un trabajador incansable con un alto sentido histórico plenamente consciente de que producía para la posteridad, último testigo y encarnación postrera de un mundo que se descomponía y de cuyas más significativas tradiciones compositivas fue enciclopédico y privilegiado transmisor. (…)

La hermosura del film es sólo comparable a su dureza estatuaria y su estremecedor laconismo: el de un genuino monumento erigido a los músicos y a la propia música en tanto que practica significante de clase. ”

José Luís Téllez en “Los años que conmovieron al cinema – las rupturas del 68 – “ Ediciones Textos de la Filmoteca de la Generalitat Valenciana, 1988.

2008-02-26T04:18:00.000-08:00

Tenía todas mis esperanzas puestas en la asignatura de videocreación...

Martin Arnold

McLaren

Maya Deren y Duchamp